Ölçekli Şaheserler: Cooper Hewitt’te Minyatür Merdivenler

Ölçekli Şaheserler: Cooper Hewitt’te Minyatür Merdivenler

2006 yılında Cooper Hewitt, kimsenin çıkamayacağı bir merdiven koleksiyonunu sergiledi. “Made to Scale: Staircase Masterpieces” adlı sergi, 19. ve 20. yüzyıldan kalma, ahşap ve metalden özenle işlenmiş minyatür merdiven modellerini bir araya getiriyordu. Bu küçük sarmal yapılar ve zarif korkuluklar, yalnızca iç mimarinin faydacı testleri olmanın ötesinde bir zanaatkarlık sunuyor. Sergi, Eugene ve Clare Thaw çiftinin koleksiyonunu müzenin kullanımına sunmasıyla gerçekleşmişti.

Eugene ve Clare Thaw Koleksiyonu

Thaw çifti, bir arkadaşlarının evinde heykelcik gibi sergilenen bir merdiven modelini gördükten sonra bu kavramla tanışmış. 2006’daki bir röportajda Eugene Thaw, Cooper Hewitt’in eski küratörü Sarah D. Coffin ile ilk modelde gördüğü güzelliği anlatıyor: “Bir arkadaşımızın evinde bir kaide üzerinde duran minyatür bir merdiven vardı; adeta bir heykel gibi.” Çift koleksiyon yapmaya başladıkça, bu modellerin neden bu kadar değerli olduğunu da öğrenmişler. Thaw’a göre bunlar, “bir ustanın parçası olmak ve loncaya kabul edilmek için yapılan pièces de maîtrise” yani şaheserlerdi. Bu modeller, bir zanaatkarın ustalığını kanıtlamak için yaptığı ölçekli denemeler olarak ortaya çıkmış.

İpliğin Ucunda Mimari: Ali Hillis’in Dikiş Makinesi Sanatı

İpliğin Ucunda Mimari: Ali Hillis’in Dikiş Makinesi Sanatı

Bir dikiş makinesinin iğnesi, gökdelenlerin cephelerini çizebilir mi? İngiltere merkezli tekstil sanatçısı Ali Hillis, bu soruya iplikle cevap veriyor. Dikiş makinesini adeta bir kalem gibi kullanan Hillis, mimari render’ları aratmayan yapı çizimleri oluşturuyor. Core77’nin haberinden yola çıktığımız bu yazıda, sıra dışı bir disiplinlerarası yaklaşımı ve perde arkasını inceliyoruz.

Aslında “render” deyince aklımıza hep dijital programlar geliyor; ama Hillis’in işi, bu algıyı kökten sarsıyor. İğne ve iplik, onun elinde Photoshop fırçasından daha keskin bir ifade aracına dönüşüyor.

Sanat Kurgu Değil, Artı Gerçekliktir: Pedro Reyes ile Söyleşi

Sanat Kurgu Değil, Artı Gerçekliktir: Pedro Reyes ile Söyleşi

Meksikalı heykeltıraş Pedro Reyes, yalnızca form yaratan biri değil; sanatı toplumsal dönüşümün kaldıracı olarak gören bir düşünür. Mimarlık kökenli olması, heykeli hem maddeyle hem kolektif süreçlerle düşünmesini sağlıyor. Geleneksel taş işçiliğini, güncel toplumsal meselelere odaklanan katılımcı projelerle buluşturuyor. Louisiana Channel’daki 2025 tarihli söyleşisinde mimarlığın pratiğini nasıl şekillendirdiğini, “sosyal heykel” kavramını ve otomasyon çağında zanaat geleneklerini neden korumamız gerektiğini anlatıyor.

Mimarlıktan Heykele: İşlev ve Problem Çözme

Reyes için mimarlık, sanatın estetik üretimden ibaret olmadığını, aynı zamanda işlev ve problem çözmeye odaklanması gerektiğini öğretmiş. Bu yüzden çalışmalarının bir amaca hizmet etmesini istiyor: “Sanatın kullanılmasını ve bir etkililik ölçüsüne sahip olmasını istedim.” Bu anlayış, heykeli kaideden indirip hayatın içine sokuyor; izleyiciyi pasif seyircilikten çıkarıp sürecin parçası yapıyor.

Kil ve Kağıt, Işığı Buluşturuyor: Aura Koleksiyonu

Kil ve Kağıt, Işığı Buluşturuyor: Aura Koleksiyonu

Güney Fransa’nın Occitanie bölgesinden Maison Cédrat, Akdeniz’in peyzajından ve malzeme kültüründen beslenen yeni aydınlatma koleksiyonu Aura’yı tanıttı. Pierre Samouilla ve Alix Lalucaa’nın tasarladığı koleksiyon, ışığı bir nesnenin son rötuşu olmaktan çıkarıp mekanın atmosferini dönüştüren bağımsız bir “malzeme” olarak konumlandırıyor. Koleksiyon; Lumia, Écla ve Nova adlı üç farklı aydınlatmadan oluşuyor.

Işık, Kil ve Kağıdın Kucaklaşması

Samouilla ve Lalucaa, kilin mineral ağırlığını el yapımı washi kağıdının neredeyse ağırlıksız dokusuyla birleştiriyor. Gündüz, sade geometriler dokuyu ve oranları öne çıkarıyor; gece ise kağıt, ışığı filtreleyerek Akdeniz gün batımını andıran sıcak bir altın parıltıya dönüştürüyor. Tasarımcıların deyimiyle bu koleksiyon, “bir ampulden çok, öğleden sonra geç bir saatin” hissini veriyor. Aydınlatma böylece salt işlevsellikten sıyrılıp duyusal bir deneyime dönüşüyor.

Bir Çömlekçi Sehpasının İçinde Saklanan Kedi: Ahşap Bank

Bir Çömlekçi Sehpasının İçinde Saklanan Kedi: Ahşap Bank

Bir çömlekçi sehpasının içinde sadece kil mi saklanır? Pekin merkezli MACH Architects’a göre cevap, esneyen bir kedi. Geleneksel çömlekçi sehpasının öne eğimli yüzeyi, tasarımcılara ilham vermiş ve ortaya işlevsel bir heykel kadar zarif bir ahşap bank çıkmış. Bu bank, yalnızca mobilya değil; aynı zamanda bir keşif hikayesi.

Sehpanın Gizli Silüeti

Çömlekçiler, kili yoğurmadan önce içindeki hava kabarcıklarını çıkarmak için sehpa kullanır. Bu sehpaların öne eğimli bir yüzeyi vardır; çünkü kil, vücut ağırlığıyla yoğrulur. Yüzyıllar içinde optimize edilen bu eğim, çömlekçinin işini kolaylaştırmak için vazgeçilmezdir. MACH Architects’ın gözünden kaçmayan detay ise bu eğimin bir kedinin esneme pozisyonuna benzemesi. Tasarımcılar, işlevsel bir zorunluluğun içindeki bu silüeti fark edip sehpayı bir banka dönüştürmüş. Hazır bir formun bağlamını koparmak ve onu yeniden yorumlamak, tasarımın özünü oluşturuyor.

Arts and Crafts Modern Mimarlığı Hâlâ Nasıl Etkiliyor?

Arts and Crafts Modern Mimarlığı Hâlâ Nasıl Etkiliyor?

Mimarlığı sadece bir görsel şölen sanıyorsanız, Arts and Crafts hareketi size ters köşe yaptırabilir. 19. yüzyılda William Morris ve arkadaşları, makineleşmenin ruhsuzlaştırdığı üretime karşı bir isyan başlattı. Onlara göre bir binanın değeri, cephesindeki süslemeden çok, duvarlarında saklı olan emekte ve adaletteydi. Bu düşünce, bugün sürdürülebilirlik ve yerellik tartışmalarının tam ortasında yeniden hayat buluyor. Peki, bu hareketin günümüz mimarlığına söyledikleri neler? Gelin birlikte bakalım.

Gözden Kaçan Kitap Detayı: Endband Artık Bir Heykel Oldu

Gözden Kaçan Kitap Detayı: Endband Artık Bir Heykel Oldu

Her elinize aldığınız kitapta bir sır saklı. Sayfalardaki hikâye değil kastettiğim; sırtına gizlice işlenmiş, çoğu okurun hiç fark etmediği küçük bir zanaat eseri. Singapurlu sanatçı Adelene Koh, bu görünmez detayı “Endless” (2025) adlı dev heykeliyle gün yüzüne çıkarıyor. Kağıt, nakış ipi ve alüminyum telden örülen halka formu, ilk bakışta bir torusu anımsatıyor; ama aslında kitap ciltçiliğinin en mahrem öğesini görünür kılıyor.

Tokyo’nun Düşen Dallarından Mobilya: Uneri Koleksiyonu

Tokyo’nun Düşen Dallarından Mobilya: Uneri Koleksiyonu

Doğadan ilham aldığını iddia eden mobilyaların çoğu, bir kavisli çizgi, bir ahşap dokusu ve bir sürdürülebilirlik basın bülteninden ibaret. Ama Tokyo merkezli Sotanaka stüdyosunun Uneri koleksiyonuna denk geldiğimde kaydırmayı durdurdum. Çünkü ilk fark ettiğiniz şey neyden yapıldığı değil, hâlâ canlıymış gibi görünmesi.

Koleksiyon beş parçadan oluşuyor: alçak oval bir sehpa, bir yan sehpa, daha uzun bir tabure, ikinci bir yan sehpa ve bir sandalye. Her biri tamamen mat siyah emaye ile kaplanmış. Bu, üzerinde konuşmaya değer ilk cesur tasarım kararı. Siyah, ham ve budaklı dalları tek bir tutarlı görsel dilde birleştiriyor, ama ne olduklarını silmiyor. Aksine, koyu yüzey dokuyu daha okunabilir kılıyor. Her düğüm, her çatal, her düzensiz çıkıntı, Sotanaka’nın fotoğrafladığı beyaz arka planlarda net bir şekilde okunuyor. Malzemeyi tüm çıplaklığıyla görüyorsunuz.

Haas Kardeşler’in ‘Uncanny Valley’i: Tuhafın Tasarımı New York’ta

Haas Kardeşler’in ‘Uncanny Valley’i: Tuhafın Tasarımı New York’ta

New York’un Museum of Arts and Design (MAD), 2026 Ağustos’una kadar ev sahipliği yapacağı Haas Brothers: Uncanny Valley sergisiyle, ikiz kardeşler Nikolai ve Simon Haas’ın kategorize edilmesi zor işlerini bir araya getiriyor. 2010’da Los Angeles’ta kurdukları stüdyodan bu yana, biyomorfik formları, antropomorfik mobilyaları ve binlerce antika Venedik cam boncuğuyla işlenmiş botanik heykelleriyle tanınıyorlar. Sergi, 2014-2025 arası 85 eseri (birkaç yeni parça dahil) kapsıyor ve oyunsu ama disiplinli yaklaşımlarının altında yatan sistemleri gözler önüne seriyor.

Bambunun Politikası: Yerel Zanaatten Zamansal Altyapıya

Bambunun Politikası: Yerel Zanaatten Zamansal Altyapıya

Bambu, anlaşılmadan övülür. Hızlı büyür, yapı kültürlerinin uzun bir geçmişini taşır ve mimariye anında ekolojik bir dil sunar. Fotoğraflarda neredeyse kendiliğinden açıklayıcı görünür: hafif, doğal, yenilenebilir ve zaten daha sürdürülebilir bir gelecekle uyumlu. Ancak bu görünür netlik, bambuyu kesin bir şekilde tartışmayı zorlaştıran şeydir. Çevresel sorumluluğun sembolü haline geldiğinde, malzemenin kendisi ürettiği imajın arkasında kaybolabilir.

Bambunun Çağdaş Dirilişi

Bu, bambunun çağdaş dirilişinin riskidir. Endüstriyel malzemelerin yeşil bir ikamesi, bölgesel bir atmosfer ya da çelik ve betonun sert dillerine daha yumuşak bir alternatif olarak hayal edilebilir. Her durumda, bambu koşulları anlaşılmadan takdir edilir. Daha önemli soru, bambunun genel anlamda sürdürülebilir olup olmadığı değil, hangi tür bir mimari kültür gerektirdiğidir: sürdürülebilirliğinin gerçek olması için hangi bilgi, bakım, düzenleme, emek ve zaman biçimlerine ihtiyaç vardır?

Charlotte Kingsnorth: Sandalyeler Canlanıyor, Kürkleniyor

Charlotte Kingsnorth: Sandalyeler Canlanıyor, Kürkleniyor

Charlotte Kingsnorth’un Londra’daki stüdyosunda, atılmış sandalyeler tuhaf bir dönüşüm geçiriyor. Kimi orta yüzyıl iskeletini korurken, kimi şişkin döşemelerin altında kayboluyor. Tasarımcı, tanıdık mobilyaları isimlendirmesi güç yaratıklara dönüştürüyor: Kollardan tüyler fışkırıyor, gövdeler şişiyor, iskeletler yutuluyor.

Hi!breed Serisi: Bir Dönüşüm Hikayesi

Kingsnorth’un Hi!breed serisi, 2011’de Brompton’da boş bir dükkandaki atölye çalışmasıyla başladı. İlk sandalye, yerde zımba ve dikişle bir araya getirildi. Seri, önceden kullanılmış sandalyeleri temel alıyor: Kingsnorth, çöpe atılmış ya da hasar görmüş iskeletleri topluyor, her birinin karakterini çizimlerle analiz ediyor, ardından köpük ve kumaşla yeni bir beden inşa ediyor.

Sophie Lou Jacobsen: Kristal ve Camın Disko Aperitifi

Sophie Lou Jacobsen: Kristal ve Camın Disko Aperitifi

Sophie Lou Jacobsen’in tasarımlarında garip bir çekim var. Mid-century nostaljisi, Plaza Hotel’de bir öğleden sonra çayının tantanası, büyükannelerimizin dolaplarından çıkma gümüş, cam, kristal… Ama asıl parıltı, onun sıradan olana duyduğu saygıda saklı. Şampanya kadehleri saat 5’i vurduğunda tutulmayı bekler; gümüş ekmeklik taze bir somunla dolunca en güzel halini alır.

Disco Aperitivo: 70’lerin Rüyası

Tasarımcı, Milano Salone del Mobile 2026’da tanıttığı Disco Aperitivo koleksiyonunda Swarovski kristalleri kullanmış. “Kristaller cam olduğu için, camı cama yapıştırmakla aynı süreç,” diyor. “Ana form tamamlandıktan sonra uygulanıyorlar… Dekadans ve minimalizm arasındaki itiş-kakış, sürecin temel dinamiğiydi.” Koleksiyon, İtalyan aperitivo kültüründen ilham alıyor: iş çıkışı dostlarla bir kokteyl, küçük atıştırmalıklar, sohbet. “Salone için 70’ler temalı bir disko etkinliği planlarken her şey yerine oturdu,” diyor Jacobsen.

Beş Yıllık Takıntıdan Doğan Kase: Vazgeçmeyen Tornacı

Beş Yıllık Takıntıdan Doğan Kase: Vazgeçmeyen Tornacı

Çoğumuz bir projeyi birkaç haftalık hayal kırıklığının ardından terk ederiz. Olivier Gomis ise bir fikri beş yıl boyunca rafa kaldırdı, sonra geri döndü ve bitirdi. Bowl Curved Pursuit, Gomis’in son çalışması: ilk bakışta bir atölyede iki elle değil de algoritmik bir tasarım yazılımıyla üretilmiş gibi görünen, el yapımı bir tornalama işi. Kıvrımlar öyle bir dönüyor ki neredeyse matematiksel bir kesinlik hissi veriyor; her ahşap segment bir öncekini takip ederek kase gövdesi etrafında zarifçe spiral çiziyor. Bu, sizi iki kere, hatta üç kere baktıran, “Nasıl yapılmış bu?” diye düşündüren türden bir obje. İşte amaç da bu zaten.

Ölü Motorlardan Doğan Gitarlar: Endüstriyel Tasarımın Ham Sesi

Ölü Motorlardan Doğan Gitarlar: Endüstriyel Tasarımın Ham Sesi

Günlerdir aklımdan çıkmıyor bu konu. Slovenyalı zanaatkar Vlado Plateis, çöpe atılmış araba motor kapaklarını (engine head) tamamen çalınabilir elektro gitarlara dönüştürüyor. Her fotoğrafa baktığımda, bir müzik aletine mi yoksa bir heykele mi baktığıma karar veremiyorum. Belki de mesele tam olarak bu.

Hamlığa Saygı: Dürüst Tasarım

Plateis’in tasarım mantığı aldatıcı derecede basit: motor kapağını gitarın gövdesi olarak al, endüstriyel formunu koru ve onun etrafında inşa et, ona rağmen değil. Hiçbir şey parlatılmıyor, zımparalanmıyor veya gizlenmiyor. Döküm metal, işlenmiş kenarlar, cıvata delikleri ve yanma odası boşluklarıyla birlikte geliyor ve hepsi olduğu gibi kalıyor. Orijinal parçanın görünür izleri ve geometrisi, bitmiş enstrümanın görsel dili haline geliyor. Bu kısıtlama bir tasarım kararı ve cesur bir karar. Çoğu üretici rafine etmeye meyillidir. Plateis bu dürtüye tamamen direniyor.

Homo Faber Bienali: Zanaatın Dijital Çağda Yükselişi

Homo Faber Bienali: Zanaatın Dijital Çağda Yükselişi

Venedik, Eylül 2026’da dördüncü kez Homo Faber Bienali’ne ev sahipliği yapıyor. Michelangelo Vakfı tarafından düzenlenen etkinlik, Giorgio Cini Vakfı’nda yüzlerce usta zanaatkarı ve yükselen yetenekleri bir araya getiriyor. Bu yılki küratörlüğü İngiliz sanatçı Es Devlin üstleniyor ve bienal, ‘Bir Işık Adası’ (An Island of Light) temasıyla ziyaretçileri karşılıyor.

Zanaatın Dijital Çağda Direnişi

Michelangelo Vakfı İcra Direktörü Alberto Cavalli, bienalin amacını şöyle özetliyor: ‘Yapay zeka çağında yaşıyor olabiliriz, ama hâlâ etten kemikten yapıldık ve duyularımız zamanın ruhunu yakalamada en iyi araçlarımız.’ Bienal, seri üretime ve tüketim çılgınlığına karşı el emeğinin değerini vurguluyor.

Dokumanın Mantığı: Massproductions’ın Cord Koleksiyonu

Dokumanın Mantığı: Massproductions’ın Cord Koleksiyonu

Halılar, son dönemde taze ve cesur fikirlerin popüler bir mecrası haline geldi. Zemin için sanat olarak tanımlayabileceğimiz bu hiper-rafine mobilya tipolojisi, resimsel temsil ve soyut ifade için güçlü ve bereketli bir kanal olarak yeniden değerlendiriliyor. Geçtiğimiz yıl boyunca, köklü üreticiler, atak girişimler ve bağımsız yetenekler, bir zamanlar sonradan akla gelen bu ev aksesuarını iç mekanın öncelikli odak noktası haline getiren bir dizi tasarıma imza attı.

Eva Jospin: Kartonla Kozmik Ormanlar Yaratan Heykeltıraş

Eva Jospin: Kartonla Kozmik Ormanlar Yaratan Heykeltıraş

Yıllardır gelecek hakkındaki konuşmalar hep yenilik, teknoloji, hızlı sistemler üzerineydi. Oysa en çarpıcı vizyonlar, beklenmedik bir yerden geliyor: zanaatın korunması, malzeme bilgisi ve insanın anlam yaratma kapasitesi. İşte bu dönüşümü en güçlü temsil eden isimlerden biri Eva Jospin.

Kartonun Dönüşümü: Atıktan Sanata

Fransız sanatçı, çoğunlukla atık karton kullanarak devasa ormanlar, mağaralar, mimari yapılar ve hayali manzaralar inşa ediyor. Binlerce kesik, katman ve el işçiliğiyle endüstriyel atık, olağanüstü karmaşıklıkta etkileşimli enstalasyonlara dönüşüyor. Yaratıcı üretimin giderek otomatikleştiği bir çağda, Jospin’in pratiği beklenmedik şekilde radikal.

Venedik Bienali’nde Hindistan: Zanaatla ‘Ev’i Hatırlamak

Venedik Bienali’nde Hindistan: Zanaatla ‘Ev’i Hatırlamak

Venedik Bienali’nin 61. Uluslararası Sanat Sergisi’nde Hindistan Pavyonu, en eski malzemeleri kullanarak mesafe deneyimine odaklanıyor. “Geographies of Distance: remembering home” başlıklı sergi, Alwar Balasubramaniam, Sumakshi Singh, Ranjani Shettar, Skarma Sonam Tashi ve Asim Waqif’in eserlerini bir araya getiriyor. Toprak, iplik, bambu, doğal lifler ve kâğıt hamuru gibi malzemeler, hafıza, göç, aidiyet ve değişim üzerine düşüncelere dönüşüyor.

Kırık Manzaralar ve Askıdaki Yapılar

Arsenale’nin Isolotto bölümünde yer alan sergi, kırık manzaralar, askıdaki yapılar, yerel konutlar ve değişen çerçevelerle şekilleniyor. Eserler, evin sürekli olarak hafıza, ritüel ve üretim yoluyla yeniden inşa edildiğini öne sürüyor. Küratör Amin Jaffer için zanaat, projenin kavramsal ve maddi temelini oluşturuyor.

Robotik ve Zanaat: Mimarlık Üretimini Yeniden Tanımlayan İttifak

Robotik ve Zanaat: Mimarlık Üretimini Yeniden Tanımlayan İttifak

Geçtiğimiz yüzyılın büyük bölümünde mimarlık, zanaatten giderek uzaklaştı. Endüstriyel üretim, çeşitlilik yerine tekrarı, süsleme yerine verimliliği, yerel ifade yerine standardizasyonu tercih etti. Binalar katalogdan seçilen prefabrik parçalarla inşa edilirken, usta zanaatkar figürü mimari hayal gücünün dışına itildi. Ardından dijital devrim geldi.

Erken dönem hesaplamalı tasarım, mimarların ekranda giderek daha karmaşık geometriler üretmesine olanak tanıyarak yeni biçimsel olanakların kapısını araladı. Dijital araçlar geliştikçe, bu geometrileri fiziksel yapılara dönüştürmenin yolları aranmaya başlandı; böylece tasarım, malzeme, üretim ve inşaat arasındaki bağ yeniden kuruldu.

29.000 El Yapımı Tuğla: Venedik’te Suudi Arabistan Pavyonu

29.000 El Yapımı Tuğla: Venedik’te Suudi Arabistan Pavyonu

Venedik Sanat Bienali 2026’da Suudi Arabistan Pavyonu, sanatçı Dana Awartani’nin dev bir toprak mozaik manzarasıyla doluyor. ‘May your tears never dry, you who weep over stones’ (Taşlara ağlayan, gözyaşların hiç kurumasın) başlıklı enstalasyon, 29.000’den fazla el yapımı kil tuğladan oluşuyor ve Arap dünyasının tarihi mozaik geleneklerini bir araya getiriyor.

Kolektif Hafızanın İzinde

Enstalasyon, ziyaretçileri geometrik, bitkisel ve hayvansal motiflerle örülü toprak yollarda bir yolculuğa çıkarıyor. Filistin, Lübnan ve Suriye’den ilham alan bu yapıt, bölge halklarını binlerce yıldır birbirine bağlayan derin kültürel bağları gözler önüne seriyor. Awartani, maddi kültürün içine gömülü paylaşılan tarihleri vurguluyor ve sanatsal geleneklerin sınırları nasıl aştığını hatırlatıyor.